EXPOSITION ACTUELLE
(WAHL) FAMILY. THOSE WE ARE
14 Juillet to 5 Novembre 2023
Ouverture : Jeudi 13 juillet 2023, 19 heures
La famille peut être synonyme de bonheur ou de chaos, d'identification ou de séparation, être un fardeau ou incarner la solidarité et la sécurité. La famille est un réseau complexe et affectif de relations qui ne peut être réduit exclusivement à des critères biologiques. Que ce soit par le sang ou par choix, les liens familiaux sont un sujet qui concerne tout le monde. "LA FAMILLE (ÉLECTIVE). DIE, DIE WIR SIND" pose la question de la définition de l'appartenance et brosse un tableau à plusieurs niveaux de ce que peut être la famille. L'exposition collective rassemble des œuvres de quatorze artistes contemporains et nous invite à réfléchir sur les relations familiales, les constellations et leurs liens sociopolitiques.
Les œuvres sélectionnées mettent en lumière la dynamique inconsciente des relations familiales, en parlant de grands sentiments, d'habitudes bizarres et de défis particuliers. Elles thématisent la responsabilité familiale et sociale et montrent des personnes qui renversent les attributions conventionnelles de rôles afin de suivre leurs projets de vie individuels en tant que communauté. Que ce soit dans l'esprit ou dans la vie réelle, les familles (électives) sont, dans le meilleur des cas, les personnes auxquelles nous nous identifions, qui nous façonnent et qui nous soutiennent et nous orientent.
Avec des œuvres de Guy Ben-Ner | Andrea Bowers | Miriam Cahn | Chto Delat | Asta Gröting | Sharon Hayes | Verena Jaekel | Pixy Liao | Joanna Piotrowska | Chantal Regnault | Allen Ruppersberg | Corinna Schnitt | Thomas Struth | Johan Tahon
ANIMAL FANTASTIQUE. LE MONDE COLORÉ DES FAMILLES
L'exposition est complétée par un espace de créativité pour les enfants, entourés de sculptures et de gravures de la collection Selinka du Kunstmuseum. Rendu possible par les Amis du Kunstmuseum.
Vernissage pour les enfants : Samedi 15 juillet 2023, 10 heures.
01 Juin - 30 Juin
Et si la nuit, souvent négligée et sous-estimée dans le discours sur les villes et l'architecture, était en fait le monde de la vie qui détient les clés de notre expérience quotidienne. La nuit pourrait-elle être plus qu'une rotation qui recharge notre vie quotidienne ? La nuit pourrait-elle être un espace de transformation qui nous permet de rêver notre avenir collectif ?
Pour la deuxième fois, le RIBA accueille le Royal College of Art pendant le Festival d'architecture de Londres, réunissant trois artistes qui re-présentent et ré-habitent la nuit urbaine : Rut Blees Luxemburg, Alisa Oleva et Chooc Ly Tan.
Le jour, la plupart des choses sont appréhendées sous la lumière d'un seul soleil furieusement brûlant. Mais lorsque la planète tourne et que la lumière du jour s'estompe, nous voyons les choses colorées par un mélange de braises, la brume jaunâtre émise par un lampadaire au sodium, la pâle lueur d'un écran, le scintillement ancien d'étoiles défuntes, et tant d'autres points d'éclairage disparates et éloignés les uns des autres. Alors que les objets sont uniformément présentés à la vision sous une source lumineuse rayonnante pendant la journée, ces mêmes objets sont vus la nuit dans une gamme luminescente qui n'a pas de direction hiérarchique.
Urban Night Practice est une enquête artistique sur ce potentiel métamorphique qui émerge dans les villes pendant la nuit. Les artistes de cette exposition - Rut Blees Luxemburg, Chooc Ly Tan et Alisa Oleva - ont tous des pratiques qui sont réceptives à la possibilité d'une transformation qui est paradoxalement rendue plus claire dans l'obscurité. Ainsi, les œuvres de cette exposition sont composées la nuit mais sont présentées ici comme des propositions de nouvelles façons de naviguer et d'envisager le paysage urbain le jour.
Elliott Mickleburgh
Rejoignez-nous pour la fête le 22 juin à partir de 19h
DJ set par Chooc Ly Tan
RIBA First Floor Gallery, 66 Portland Place, Londres W1B 1AD
Une sélection de photographies de Nicola Lo Calzo issues de la recherche KAM est présentée à la Corderie Vallois à Rouen dans le cadre de l'exposition " Esclavage, Mémoires normandes ", première exposition d'envergure dans le processus de reconnaissance de l'histoire et de la mémoire de l'esclavage en Normandie. Des tirages de la série AYITI, REGLA, AGOUDA sont présentés ainsi que des œuvres des artistes Emmanuelle Gall, Gilles Elie-Dit-Cosaque, Elisa Moris Vai entre autres.
L'exposition sur la mémoire de l'esclavage ouvrira le 10 mai 2023 au terme d'une réflexion collégiale des villes de Honfleur, Le Havre, et la Métropole Rouen Normandie, mais aussi de différentes structures muséales, des archives municipales et départementales ou encore des labels « Villes et Pays d’art et d’histoire »…
Faire la lumière sur l'implication du territoire normand dans le commerce triangulaire aux 18e et 19e siècles en confrontant objets des collections et témoignages contemporains Bordeaux, Nantes ou La Rochelle ont fait l’objet de nombreux travaux de recherche et assument désormais, en organisant divers événements culturels ou commémoratifs, leur rôle dans la traite négrière et le commerce qui en a découlé en Europe de l’Ouest. La Normandie restait, jusque-là, un peu à l’écart de ce mouvement général en faveur d’une plus grande transparence de l’histoire locale – la ville, la région –, individuelle et collective. Celle, de fait, d’une responsabilité des Européens et singulièrement de ces villes côtières, dans ce crime contre l’humanité que fut l’esclavage (loi no 2001-434 du 21 mai 2001). Le conglomérat Rouen-Le Havre-Honfleur a pourtant eu un poids comparable à celui de Bordeaux ou Nantes… Revenir sur cette histoire était absolument nécessaire sur un plan éthique, mais aussi au regard de ses conséquences à moyen et long terme sur le territoire et son développement.
Les familles d'armateurs, autrement dit celles qui finançaient les trajets en bateau pour en retirer un bénéfice, étaient pour la plupart rouennaises. Mais comme les embarcations partaient du Havre et dans une moindre mesure de Honfleur, on a longtemps prétendu que le commerce triangulaire ne concernait pas Rouen, pourtant très impliquée dans le financement de cet éco-système commercial...
Les normands ont, bien avant le 18e siècle, des habitudes de voyages transatlantiques. Le commerce du bois de braise au Brésil ou encore les tentatives de colonisation en Nouvelle-France les ont conduits aux Amériques tandis que de premiers comptoirs normands sont ouverts en Afrique de l’ouest dès le 17e siècle. Un certain nombre d'objets documentent ce mode de vie et en particulier l’environnement de la navigation normande : un très bel astrolabe, des cartes, ou encore des objets en ivoire, dont la matière même témoigne de liens précoces avec le continent africain. Dans l’exposition, un yoyo issu des collections du musée de la Ferronnerie Le Secq des Tournelles est particulièrement emblématique en ce qu’il illustre toute l’ambivalence de l’époque.
Si l’exposition de la Corderie Vallois met au jour certains éléments du passé, le plus intéressant est peut-être l’écho que cet effort d’élucidation trouve dans certaines de nos problématiques contemporaines. À l’heure où les vêtements sont fabriqués en Inde, notamment, avec le coût humain que l’on sait…
La production de fibre textile et de cotonnade et l'un des secteurs rouennais les plus concernés par le commerce triangulaire. Les fabriques de la vallée du Cailly ont notamment participé à la production des indiennes, sortes de toiles de coton peintes ou imprimées. Mais il ne s’agit pas seulement de documenter le passé pour lui-même, puisque l’exposition questionne notre ère post-industrielle à la lumière de celui-ci.
Commissariat exposition
Mathilde Schneider, directrice du musée Beauvoisine, conservatrice en chef du patrimoine
Isabelle Gard, chargée de projet pour le service des publics
Bruno Varin, assistant de conservation et médiation culturel
Assistance scientifique : Simon Jean-Nebbache, docteur en muséologie
Informations pratiques
Du 10 mai 2023 au 17 septembre 2023
Musée Industriel de la Corderie Vallois, Notre-Dame-de-Bondeville
Ouvert tous les jours de 13h30 à 18h
Tarif : 4€*
Accessibilité
depuis Paris en train > Rouen - arrêt Rouen Rive-Droite
depuis Rouen avec le réseau astuce T2 > Notre-Dame-de-Bondeville - arrêt Mairie V. Schoelcher
depuis le Hameau de Frévaux avec le réseau astuce F4 >Notre-Dame-de-Bondeville - arrêt André Gide
Exposition reconnue d’intérêt national par le Ministère de la Culture, elle bénéficie à ce titre d’un soutien financier exceptionnel de l'État.
L'exposition virtuelle, prochainement en ligne, bénéficie d'un soutien particulier de FRAME
*Une entrée dans l'un des trois parcours donne le droit au tarif réduit des deux autres.
31 mai — 03 septembre 2023
Parc du Grand Blottereau et Centre Claude Cahun, Nantes, France
Entre mai et septembre 2023, le Centre Claude Cahun pour la photographie contemporaine de Nantes et les Rencontres photographiques de Guyane ont imaginé un co-commissariat pour deux expositions intitulées Juste à côté de nous, Amazonie. Ce projet de coopération régionale se tiendra simultanément, entre mai et août, au parc du Grand Blottereau et, entre juillet et septembre, au Centre Claude Cahun pour le Voyage à Nantes.
Le but de cette collaboration est de créer une continuité territoriale pour les artistes. Les expositions plongent ainsi dans une sélection de séries réalisées lors des résidences ou de recherches dans les archives de photographes locaux soutenues par les Rencontres photographiques de Guyane depuis 2013. Les travaux de Nicolas Derné, Karl Joseph, Guillaume Martial, Julie Boileau, Nicola Lo Calzo, Vano, Mirtho Linguet et Karen Paulina Biswell regardent et mettent en scène la vie dense des hommes et des femmes confronté.e.s à tout ce que la nature ouvre, avale et oublie.
17 décembre 2022 |
NEW YORK, NY .- Depuis le 6 décembre Malin Gallerya commencé la présentation de la deuxième exposition personnelle de Laddie John Dill avec la galerie : Intimate Light, organisée par Anna Valverde. Valverde a construit l'une des collections privées les plus importantes sur la lumière et l'espace dans le sud-est américain et ses expositions se concentrent souvent sur des artistes qui, selon elle, sont sous-reconnus, principalement de son État d'origine, la Californie. Intimate Light, qui se terminera le 11 février 2023, rassemble de nouvelles œuvres, dont des dessins et des sculptures, de l'artiste basé à Los Angeles Laddie John Dill. La pièce maîtresse de l'exposition est une nouvelle installation de la série Silica Lightscape de Dill, que l'artiste a conçue pour la première fois en 1970. Intitulée à juste titre EST, il s'agit de la plus grande œuvre Silica Lightscape exposée sur la côte Est à ce jour. Cela correspond également à une œuvre réalisée par Dill en 2011 intitulée PST qui a été exposée au centre-ville de LA
Intimate Light tire son titre d'une interview entre Dill et la défunte historienne et critique d'art Merle Schipper à l'occasion des débuts de l'artiste au musée pour sa série Silica Lightscape en 1980, humblement intitulée An Installation, à la galerie d'art de l'université CSU Dominguez Hills. Dans cette interview, Dill commente : "La lumière a une intimité avec la forme et la définit en termes de lumière, d'ombre et d'ombre..." En plus de 50 ans de travail avec le néon, Dill l'utilise pour offrir aux spectateurs une expérience phénoménologique. de la lumière. C'est à travers son intimité avec les propriétés matérielles de l'argon et du mercure, ainsi que son regard romantique et toujours curieux avec le médium lui-même, qui lui a permis de créer une œuvre d'une beauté et d'une profondeur uniques.
Anna Valverde est une conseillère en art et conservatrice basée à New York avec plus de 15 ans d'expérience dans le monde de l'art contemporain. Valverde a construit l'une des collections privées les plus importantes sur la lumière et l'espace dans le sud-est américain et ses expositions se concentrent souvent sur des artistes qui, selon elle, sont sous-reconnus, principalement de son État d'origine, la Californie. Il s'agit de sa neuvième exposition avec la Malin Gallery et la deuxième avec Laddie John Dill. Ses expositions ont été favorablement évaluées par Artforum, The New Yorker, The New York Times, Cultured Magazine, San Francisco Chronicle, Hyperallergic, HuffPost, ARTnews et Artnet News.
Laddie John Dill est né à Long Beach, en Californie, en 1943. Son beau-père a travaillé dans l'industrie aérospatiale et a encouragé son intérêt pour l'innovation technique et les sciences. Après avoir obtenu un baccalauréat en beaux-arts du Chouinard Art Institute en 1968, Dill est devenu apprenti imprimeur chez Gemini GEL et a travaillé en étroite collaboration avec les artistes Robert Rauschenberg et Jasper Johns. Rauschenberg deviendrait un ami et un mentor pour la vie et Johns lui permettrait de vivre dans son loft lorsque Dill était à New York. Alors qu'il travaillait chez Gemini, Dill a acquis une notoriété en travaillant avec des matériaux tels que le verre, le métal, le néon et le ciment. Il s'est inspiré du travail de Peter Alexander dont il a poncé le travail alors qu'il était encore étudiant. À 28 ans, il a eu sa première exposition personnelle à New York à la Sonnabend Gallery. Travaillant et exposant aux côtés d'artistes notables tels que Robert Irwin, Larry Bell et Mary Corse, Dill est devenu une figure centrale du mouvement Light and Space. Dill vit à Los Angeles et maintient une pratique quotidienne en studio.
Dill a apprécié des expositions personnelles à la Sonnabend Gallery (NY); Galerie James Corcoran (CA); Los Angeles Institute of Contemporary Art (CA) : Long Beach Museum of Art (CA) : Sun Gallery (Séoul) ; Di Donato (Naples); Galerie Whitestone (Taipei); Museo Archeologico Nazionale di Napoli (Naples); et Wiesbaden Gallery (Allemagne). Il a participé à des expositions collectives dans des institutions telles que le Los Angeles County Museum of Art (CA) ; Centre d'art Walker (MN); Musée d'art de Pasadena (Californie); Musée d'art moderne de San Francisco (CA); Musée d'art rose (MA); Otis Art Institute (CA); Musée d'art de Seattle (CA); Galerie d'art Albright-Knox (New York); Galerie d'art Corcoran (DC); Musée d'Art Contemporain (Sao Paulo); Musée d'art contemporain (TX); Musée d'art contemporain (CA); Pace Gallery (New York); Galerie David Zwirner (New York); Musée du marteau (CA); et Galerie Hauser & Wirth (CA). Le travail de Laddie John Dill fait partie des collections permanentes d'institutions nationales et internationales telles que le Museum of Modern Art (NY); Musée d'art du comté de Los Angeles (CA); Musée d'art contemporain (CA); Musée d'art moderne de San Francisco (CA); Musée du Haut (GA); Collection Phillips (DC); Institut d'art de Chicago (IL); Smithsonian (DC); Louisiana Museum of Modern Art (Danemark); Musée d'art contemporain - San Diego (CA); et Museo Jumex (Mexique). Musée d'art contemporain - San Diego (CA); et Museo Jumex (Mexique). Musée d'art contemporain - San Diego (CA); et Museo Jumex (Mexique).